https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos en-us Podomatic RSS Generator Sat, 25 Jan 2025 09:43:33 +0000 music, ,pop, ,rock, ,flashback, ,jazz, ,blues,Music Copyright 2025 Vagner Fabbri Give it a listen! episodic false no https://assets.podomatic.net/ts/f2/e6/dd/1001discos/1400x1400_2067566.jpg https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos Vagner Fabbri https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-11-25T02_11_36-08_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-11-25T02_11_36-08_00 Wed, 25 Nov 2009 10:11:36 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-11-25T02_11_36-08_00 Vagner Fabbri 1001,discos,brazil,bolero,jazz,flashback,buena,vista,social,club,chan,cuba,cubana,music,world,rock,pop 3600 false Buena Vista Social Club, o vencedor do prêmio Grammy de melhor álbum de world music de 1997 é o disco mais vendido da categoria na história, com mais de oito milhões de álbuns. Produzido pelo grande guitarrista americano Ry Cooder, reuniu um time dos sonhos de veteranos da época de ouro da música cubana, apresentou a um novo público os ritmos de son, bolero e danzón e fez de Ibrahim Ferrer, Rubén González, Eliades Ochoa, Omara Portuondo e Compay Segundo novas estrelas da música internacional. A banda original completa tocou em uma única noite, com ingressos esgotados, no Carnegie Hall em Nova York no dia 1o. de julho de 1998. O show tornou-se o clímax do elogiado documentário dirigido por Wim Wenders, também chamado de Buena Vista Social Club. Segundo o consagrado jornal americano THE NEW YORK TIMES “O show foi mais do que um evento musical. Músicos de Cuba com seus 70, 80 ou 90 anos, alguns vindos da aposentadoria, faziam sua estréia nos Estados Unidos em um teatro como o Carnegie Hall. Com toda a delicadeza agridoce de um bolero, o Buena Vista Social Club celebrava a vitalidade e o virtuosismo de seus músicos e, simultaneamente, o luto pela era que eles personificavam.” Até agora, além das cenas do filme de Wim Wenders, a música daquela memorável noite havia sido ouvida, apenas, pelos felizes espectadores presentes ao grande show. O Buena Vista Social Club nunca fui uma banda regular: os músicos se reuniram por dez dias em um estúdio em Havana para gravar o álbum e logo depois seguiram rumos diversos. Alguns viajaram em turnê com Juan de Marcos González e seus Afro-Cubans All Stars. Outros, como Compay Segundo e Eliades Ochoa, colocaram suas próprias bandas na estrada. Omara Portuondo ocupou-se de sua agenda lotada, assim como o produtor e guitarrista Ry Cooder. Eventualmente, em abril de 1998, estabeleceu-se uma janela nas agendas que possibilitou a reunião de todos em duas noites de performance no Carré Theatre, em Amsterdã. Por causa do enorme sucesso dos shows foi definido o grande show final no mais prestigioso palco da América, o Carnegie Hall de Nova York. Por causa do embargo norte-americano a Cuba, a maioria dos músicos nunca havia visitado os EUA e, muito menos, tocado no Carnegie Hall. A noite foi uma celebração muito maior do que apenas um show de música. “Estar no palco, em qualquer lugar, com aqueles músicos e cantores era um sonho para mim,” lembra Juan Carlos, o lider da banda, “mas o Carnegie Hall era outra coisa. É o melhor do mundo e eu estava muito feliz por estar lá e por ver artistas como Rubén e Ibrahim naquele palco. Isso nunca poderia acontecer. E aconteceu.” Depois daquela noite, era claro que não haveria outro concerto; agendas lotadas mantiveram os artistas viajando e gravando seus projetos pessoais. Além disso, muitos tinham idade avançada o que tornava as coisas ainda mais difíceis. Segundo o Los Angeles Times ‘Quando os músicos finalmente subiram ao palco, o público levantou-se e aplaudiu, e depois explodiu nas primeiras notas de ‘Chan Chan’, exatamente como fãs de rock fazem quando ouvem o maior hit de uma banda.” “Ouvindo às gravações do concerto pela primeira vez em dez anos, estou impressionado com a maravilha que foi o evento,” diz, hoje, Ry Cooder, “Esses são artistas fantásticos, grandes mestres, e eles entraram na música em um nível que não se ouve mais hoje em dia. Foi um encontro real e honesto, e você pode sentir o público sendo levado pela música. Foi como se todos os gênios estivessem fora das lâmpadas.” O álbum, composto de dois cds, traz 16 impecáveis faixas: CD 1 CHAN CHAN (Francisco Repilado) 4:46 DE CAMINO A LA VEREDA (Ibrahim Ferrer) 4:59 EL CUARTO DE TULA (Sergio Siaba) 8:01 LA ENGAÑADORA (Enrique Jorrín) 2:44 BUENA VISTA SOCIAL CLUB (Israel López) 5:59 DOS GARDENIAS (Isolina Carillo) 4:2(continued) Buena Vista Social Club, o vencedor do prêmio Grammy de melhor álbum de world music de 1997 é o d... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-11-02T08_50_05-08_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-11-02T08_50_05-08_00 Mon, 02 Nov 2009 16:50:05 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-11-02T08_50_05-08_00 Vagner Fabbri 1001,album,music,give,blues,rock,jazz,listen,pop,soul,podcast,webradio,brazil,blacksabbath,heavymetal,metal 3600 false O Black Sabbath é uma banda de heavy metal formado no ano de 1968 em Birmingham, Reino Unido. A formação “histórica” é composta por Ozzy Osbourne (vocais), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (baixo) e Bill Ward (bateria). Posteriormente, houve numerosas mudanças na banda, e Iommi era o único componente fixo. Embora às vezes, são classificados como uma banda de hard rock (Butler define o estilo uma vez blues pesado e distorcido, Black Sabbath são considerados entre os primeiros grupos de heavy metal da história, e também contribuíram muito para o desenvolvimento deste tipo de gênero. De 1970 a 2000, foram vendidos mais de cem milhões de cópias dos álbuns, tornando o Black Sabbath uma das mais bem sucedidas bandas de Heavy Metal, ao lado do Judas Priest, Iron Maiden e Metallica. O embrião do Black Sabbath surgiu no ano de 1966 em Aston, uma localidade de Birmingham, Inglaterra. A história começou quando o guitarrista Anthony “Tony” Iommi e o baterista William “Bill” Ward (ambos do grupo Mithology) leram em uma loja, o anúncio de um cantor que foi à procura de músicos para formar uma banda. O cantor era John “Ozzy” Osbourne que foi um rival de Iommi durante a escola. Iommi e Ward foram para casa de Ozzy e decidiram formar um complexo musical. Osbourne levou ao grupo, outros dois músicos que tinham tocado com ele na banda Rare Breed: os guitarristas Terence “Geezer” Butler e Jimmy Phillips. Mais tarde, Butler assumiu o papel de baixista, e foi também assoldato pelo saxofonista Alan “Aker” Clarke. A banda escolheu o nome inicialmente de Polca Tulk Blues e encurtado depois para Polca Tulk, e começou a construir um repertório, principalmente blues. Mais tarde, Clarke e Phillips saem do grupo e o restante dos membros decidiram alterar a denominação para Earth. A formação exibe em vários locais, tocando covers de Jimi Hendrix, Blue Cheer, Cream e The Beatles, e esculpiu o primeiro demo em 1968. É recolhido algum êxito no espaço de “pubs” britânicos e permitiu que o grupo a fazer o nome no exterior, graças a gerente Jim Simpson. Após um curto período, o nome da banda foi mudado porque havia outro grupo denominado Earth. A escolha do nome, mais tarde, veio à idéia de Butler, um grande fã dos romances de “magia negra” e “terror” de autores como Dennis Wheatley. Butler tinha visto o filme de 1963, Black Sabbath por Mario Bava, e escreveu uma canção que incorpora o título do filme. Isto se tornou o novo nome do grupo. O novo nome é acompanhado por uma transição para um novo som blues, em primeiro lugar com elementos do folk e, em seguida, com cada vez mais fortes e tons escuros até que uma nova solução para a qual o grupo tornou famosa e teria sido numerada para muitos críticos, como os principais pioneiros do heavy metal. O primeiro registro que a banda assinou foi com a Fontana Records e, mais tarde, com o Vertigo. No dia 13 de fevereiro de 1970, foi publicado o álbum de estréia da banda, intitulado simplesmente de Black Sabbath. Este foi o primeiro álbum do Black Sabbath, lançado em 1969, conquistando fãs por todo o Reino Unido. São oito faixas que apresentam a lendária formação original, com Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward, os pioneiros de um estilo que influenciou inúmeras bandas nos anos 70 e 80. Tido como — com o perdão da ironia — o evangelho do que mais tarde se denominaria como heavy metal, o primeiro disco do Black Sabbath foi e é o que todo álbum clássico pode e deve ser, inovador, arrojado e muito a frente do seu tempo, que ainda cheirava à riponguice hippie em seus estertores. Por isso, para a época em que veio à luz (uma sexta feira 13 de janeiro de 1970!) ele pareceu macabro demais, sombrio ao extremo, muito diferente do que se produzia em matéria de rock e blues tradicional. O que impressiona no debut da banda de Ozzy Osbourne é que a despeito da sincronia dos músicos, principalmente o trabalho singular da guitarra de Tony Iommi e o formato escorreito dos arranjos é que o ál(continued) O Black Sabbath é uma banda de heavy metal formado no ano de 1968 em Birmingham, Reino Unido. A f... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-09-07T11_39_02-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-09-07T11_39_02-07_00 Mon, 07 Sep 2009 18:39:02 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-09-07T11_39_02-07_00 Vagner Fabbri flashback,listen,music,podcast,pop,softrock,rock,billboard,carpenters,best,1001,discos 3600 false The Carpenters – "Close To You" (1970) Origem: Estados Unidos Produtor: Jack Daugherty Formação Principal no Disco: Richard Carpenter e Karen Carpenter Estilo: Pop / Soft Rock Destaque: We’ve Only Just Begun Melhor Posição na Billboard: 2º Músicos de sensibilidade e de formação jazzística desde muito jovens, Richard e Karen Carpenter souberam amalgamar a suavidade e a densidade desse gênero musical com uma linguagem pop, influenciada por artistas como os Beatles. Depois de algumas experiências em conjuntos, pelos anos 60, como o Richard Carpenter Trio e outro, embrião da linguagem musical que eles iam entronizar pelos anos seguintes, o Spectrum, ambos desenvolveram um estilo que chamou a atenção do trompetista Herb Alpert, líder do mítico conjunto tex-mex mariachi boogie-woogie, Tijuana Brass, então um dos donos da gravadora A&M, e até então o artista de maiores vendagens deste selo. A despeito de terem carta branca para gravarem um álbum ao seu estilo, não lograram o êxito esperado. No entanto, nos ensaios para o segundo disco, Alpert sugeriu aos dois uma antiga canção do maestro Burt Bacharach, chamada Close To You. O tema, que chegou a ser gravado por Richard Chamberlain e Dionne Warwick, nem com o próprio Bacharach havia feito o sucesso esperado — com relação a outras músicas do compositor. Mesmo hesitante, Richard aceitou pô-la no próximo compacto. Lançada em maio de 1970, não só virou um sucesso acachapante quanto catapultou a dupla para o mundo, com canções românticas e marcantes, como Only Yesterday e I Need To Be In Love, além de covers de qualidade e muito bom gosto, como Please Mr. Postman (Marvelettes) e There’s a Kind Of Hush (Herman’s Hermits), entre outros. O álbum homônimo, que viria à luz em agosto daquele mesmo ano, mostrava o gênero easy listening, que Karen e Richard transformaram numa avassaladora fórmula de sucesso. E tão insólito quanto o grande êxito inesperado do cover do autor de This Guy’s In Love With You foi o do segundo single do álbum, a linda We’ve Only Just Begun, que originalmente não passava de um jingle de um banco californiano. Lançado no Verão de 70, subiu ao segundo lugar na parada da Billboard junto com Close to You, um verdadeiro fenômeno. Além dessas duas canções, o disco da dupla também trazia canções de Richard do tempo do Spectrum, como Maybe It’s You e versões bem particulares para dois outros temas de Bacharach, Baby It’s You e I’ll Never Fall In Love Again e ainda outra regravação bem peculiar de um antigo sucesso dos quatro cabeludos de Liverpool, Help! Contudo, mesmo soando ligeiramente comercial (e não deveria não deixar de ser) Close To You possui momentos bem experimentais, como uma obscura canção deles, Second Part, exótica e densa, bem diferente dos sucessos de Karen e Richard, e que fecha de forma singular o LP. Faixas: 1.We’ve Only Just Begun 2.Love Is Surrender 3.Maybe It’s You 4.Reason to Believe 5.Help! 6.(They Long to Be) Close to You 7.Baby It’s You 8.I’ll Never Fall in Love Again 9.Crescent Noon 10.Mr. Guder 11.I Kept On Loving You 12.Another Song The Carpenters – "Close To You" (1970) Origem: Estados Unidos Produtor: Jack Daugherty Form... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-08-29T14_03_07-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-08-29T14_03_07-07_00 Sat, 29 Aug 2009 21:03:07 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-08-29T14_03_07-07_00 Vagner Fabbri discos,jazz,reggae,music,pop,rock,blues,old,flashback,podcast,listen,webradio 3600 false O "The Police" é um dos útimos "power" trio dos anos 80, sem nenhum exagero. Aparentemente fazendo um som simples mas com um background violento, usava em seu favor as lacunas que uma formação em trio costumam deixar e incorporava à sua música elementos do reggae, punk e jazz, elaborando assim uma sonoridade inovadora e bem pessoal, que influenciou vários músicos ainda nos anos 80 e se tornou um sucesso explosivo e ícone de sua época. Seus cinco discos são ótimos, na verdade é uma das poucas bandas bem regulares, apesar de pouco mais de 5 anos de atividade. Andy Summers é um dos melhores guitarristas da segunda metade dos anos 70 e anos 80. Já tinha uma grande experiência depois de ter tocado com o Soft Machine (não gravou nada com os caras) e quando ingressou no Police pôde desenvolver e imprimir sua técnica, encontrando os espaços perfeitos para tal. Sting (baixo e vocal) é um baixista mediano, mas bom o suficiente para a proposta da banda, e Stewart Copeland (bateria) havia tocado no Curved Air, um excelente músico. Reggatta De Blanc (1979) é o segundo trabalho do grupo e contém grandes músicas que logo tornaram-se grandes sucessos comerciais, como Message In A Bottle e Walking On The Moon, além das excelentes Contact e No Time This time. Reggatta de Blanc foi o segundo álbum, lançado em 1979, da banda britânica The Police. Nesse álbum fica mais evidente a influência do reggae jamaicano em fusão com o punk rock e a new wave, inclusive no próprio título. Reggatta de Blanc significa Reggae de branco. Faixas: "Message In A Bottle" (Sting) "Reggatta De Blanc" (Copeland/Sting/Summers) "It's Alright For You" (Copeland/Sting) "Bring On The Night" (Sting) "Deathwish" (Sting/Copeland/Summers) "On Any Other Day" (Copeland) "The Bed's Too Big Without You" (Sting) "Contact" (Copeland) "Does Everyone Stare" (Copeland) "No Time This Time" (Sting) O "The Police" é um dos útimos "power" trio dos anos 80, sem nenhum exagero. Aparentemente fazend... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-08-10T19_13_17-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-08-10T19_13_17-07_00 Tue, 11 Aug 2009 02:13:17 +0000 2019-03-16 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-08-10T19_13_17-07_00 Vagner Fabbri flashback,jazz,listen,pocast,brazil,pop,rock,bues,best,1001,1974,supertramp 3600 false Lançado em 1974, o disco apresenta melodia e técnica em todas as faixas. Um rock progressivo BEM diferente dos convencionais da época e BEM diferente do som comercial que a banda proporcionou na década seguinte. School começa com a harmônica do grande Richard Davies, a ´voz´ do conjunto, que ataca e muito bem com os seus teclados alucinados. O solo de piano desta primeira canção é empolgante, com o guitarrista Roger Hodgson mandando ver no solo de piano (ele fazia as vezes da guitarra e do clássico instrumento). Há um tempero especial nesta canção, que prepara terreno para a consagrada Bloody Well Right, com levadas de jazz desde o início. Tanto que o saxofone magistralmente tocado por John Anthony Helliwell entra em sintonia com todos os instrumentos. Um cidadão como esse é uma mão na roda, uma vez que ele tocava tudo o que tivesse paleta de sopro, desde o sax até clarinetes. O riff de guitarra é bem pesado, mas não entra em atrito com a melodia jazzística da canção. Perfeito até agora, não é? E fica melhor ainda (espero que você esteja acompanhando esta resenha com o CD rodando no seu som), pois Hide In Your Shell é a melhor do disco. Mesma fórmula, mesma competência! Aqui já se justifica a inclusão desde Crime of the Century ao lado de tantas outras bandas. Que refrão magnífico esse! A batida da batera é perfeita e a musica ganha ares especiais. Bob Benberg participa de maneira decisiva para que o brilho de Davies surja mais destacado. É desnecessário falar aqui da importância de Helliwell (ao lado do vocalista/tecladista, a personificação do Supertamp). Precisa falar também que Benberg ataca na percussão nos momentos certos? É o ponto alto mesmo, até mesmo quando a canção chega no minuto final (ai é que a emoção entra mais forte). Asylun começa com Hodson nos pianos, a marca registrada do conjunto. Muito bela esta daqui, muito mesmo. Mas MUITO boa, por que ela vem crescendo até o ´orgasmo´ sonoro dos dois refrões (sim, são dois diferentes, um após o outro). Dougie Thomson é o baixista que segura as pontas, e aqui podemos escutar o pulso forte e firme das suas quatro cordas para que os sintetizadores e tudo mais façam a festa. A próxima música é a também famosa Dreamer (a mais curta do disco, com três minutos e meio). O sucesso radiofônico dessa aqui não a desmereçe em nada. Principalmente pelo dueto entre as vozes que cantam aqui. Um belo trabalho progressivo digno de uma música do Yes, porém mais direto ao assunto. A batera se mostra técnica ao extremo, bem como os teclados (teclados, sintetizadores, etc...). O piano corrido que segue é Rudy. Uma balada (mais uma, não é?) Aqui, o solo de sax a lá dança romântica se mistura com os sons tenebrosos dos sintetizadores. Um clima macabro e delicioso a cada segundo. É bem verdade que tem uma parte na música, lá pelos quatro minutos e meio, que a canção adquire um som bem típico dos anos setenta, mesmo com a onda disco music ainda por vir, mas quem se importa com isso agora? É soberbo escutar a fusão sonora desta pérola, principalmente com o final um pouco dramático. If Everyone Was Listing é mais uma (mais uma?) balada. Que fique bem claro: uma balada progressiva e cheia de virtuosismo com muita criatividade. Cativante mesmo. O clarinete afasta qualquer probabilidade de mesmice na canção com Helliwell, de novo, dando o seu show particular no sopro. Se alguém ainda duvida do poderio musical deste disco, ou mesmo desse quinteto, basta checar o que acontece na última faixa. Intitulada com o nome deste trabalho, Crime of The Century começa bem. Dramático e espacial em sua introdução com o piano, explodindo como bombas quando entram os demais instrumentos para, em seguida, dar prosseguimento ao turbilhão auditivo. Um solo de guitarra, com o já citado pianinho matador mandando ver, em um ritmo cadenciado com a bateria. Meio paranóico e TOTALMENTE minimalístico. Entram teclados com sonoridade de violinos e o saxofone na seqüência .O prazer está garantido ao(continued) Lançado em 1974, o disco apresenta melodia e técnica em todas as faixas. Um rock progressivo BEM ... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-07-14T20_05_37-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-07-14T20_05_37-07_00 Wed, 15 Jul 2009 03:05:37 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-07-14T20_05_37-07_00 Vagner Fabbri jazz,best,flashback,rock,blues,listen,podcast,webradio,doors,1967,pop 3600 false The Doors - Doors (1967) Local: Los Angeles / Data: dezembro de 1967 / Texto: Pablo Aluísio / Nota: Gravado em quatro canais no mês de agosto de 1966, no Sunset Sound Studios #1 (em Hollywood, CA). Lançado oficialmente nos EUA no dia 4 de janeiro de 1967. Produzido por Paul A. Rothchil. Com o estouro de Light My Fire em todo os EUA, o produtor Paul Rothchild, um dos mais conceituados profissionais da Elektra Records, costumava dizer que criou um sucesso em apenas uma semana. E foi isso mesmo. Assim que assinaram com a gravadora, no final de 66, os Doors logo entraram em estúdio e em meros seis dias (com um fim de semana de intervalo) gravaram seu disco de estréia. As músicas escolhidas já faziam parte do repertório que a banda vinha tocando em bares na Califórnia durante um ano inteiro, alternando-se entre composições de autoria própria (apesar de serem todas compostas por Morrison e Krieger, a banda inteira levava o crédito no encarte) e covers (Alabama Song, de Kurt Weill e Bertold Brecht, e Back Door Man, de Willie Dixon). A sonoridade pode ser descrita como um blues urbano e sombrio, misturando influências da música negra e de elementos totalmente novos no mundo da música pop. Sucesso de público (transformou-se logo em disco de ouro) e muito elogiado pela crítica, o álbum se tornou um dos maiores clássicos da história do rock e colocou Jim Morrison e os Doors entre os maiores ícones pop do século. Este é o primeiro disco da carreira dos Doors. O normal é que todo disco de estréia de qualquer grupo seja pouco ousado, em que os músicos ainda estejam procurando seu próprio caminho, em suma o normal é que o disco de estréia seja produto de uma fase de experimentação, de inexperiência. Esqueça isso em relação aos Doors. Que banda de Rock coloca uma música como "The End" logo de cara em seu debut musical? Até os Beatles levaram um tempo para deixar a fase "menudos dos anos 60". Sö evoluíram depois, quando deixaram as "musiquinhas idiotas de amor" (como o próprio Lennon se referia, quando falava da primeira fase do conjunto). Com os Doors isso não aconteceu, eles já começaram detonando meio mundo, colocando por terra qualquer conformismo ou lugar comum melódico. O disco é uma tijolada no cenário rock da época. Um crítico disse que "Gosto dos demais grupos porque entendo o que eles dizem, com os Doors isso não acontece, quem pode entender o que Jim está querendo transmitir?" Pois é, sem dúvida Jim e banda era por demais avançado para a época, e o mais importante eles colocaram as cabecinhas ocas das adolescentes que gritavam pelos Beatles para funcionar! O negócio de Jim era esse: "Pense". Eles surgiram no momento em que os Estados Unidos e o mundo já haviam perdido a inocência. A guerra do Vietnã estava no ar e os Doors eram ouvidos no sudeste asiático pelas tropas americanas aquarteladas no fim do mundo. "Os Doors foram a trilha sonora do Vietnã" disse depois o diretor Oliver Stone. Talvez por isso a guerra tenha ido pelo ralo. Os Doors fazem pensar, o que definitivamente está fora de cogitação para os militares, que querem que seus soldados sejam simples máquinas idiotas de matar. Então o grupo veio e rompeu com tudo, inclusive com a pasmaceira reinante. Em suma, os Doors foram definitivamente (desculpe a referência por demais óbvia) aqueles que arrombaram as portas da caretice e do marasmo musical do final dos anos 60, que trouxeram novos valores ao asséptico mundo WASP dos EUA. Todos se tocaram que a juventude estava agora fazendo amor livre, tomando drogas adoidado (inclusive os milicas no Vietnã) e que os valores dos pais viraram definitivamente "piadas no cinema com suas leis". Os Doors cresceram rápido, até porque eles não teriam tempo! Em apenas cinco anos o grupo jogou para o alto qualquer mesmice musical. Fico imaginando em que grupo eles teriam se transformado se tivessem pelo menos mais 10 anos de carreira pela frente. Teriam tirado os Beatles do trono de "banda mais importante da históri(continued) The Doors - Doors (1967) Local: Los Angeles / Data: dezembro de 1967 / Texto: Pablo Aluísio / N... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-07-04T07_38_24-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-07-04T07_38_24-07_00 Sat, 04 Jul 2009 14:38:24 +0000 2019-03-22 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-07-04T07_38_24-07_00 Vagner Fabbri michaeljackson,michael,jackson,thriller,1982,flashback,pop,music,best,brazil,podcast,listen 3600 false Thriller é um álbum lançado por Michael Jackson pela Epic em 1982 que figura no livro Guinness dos Recordes como o mais vendido da história. Até 2006, havia sido adquirido por mais de 104 milhões de pessoas. Sete das nove faixas do álbum chegaram às lojas como compacto, um marco que seria igualado poucas vezes no futuro. Três músicas conquistaram o topo das paradas: "The Girl Is Mine", "Billie Jean" e "Beat It". Também é lembrado pelos videoclipes, considerados "inovadores" para a época. O álbum subiu à primeira posição entre os mais vendidos dos Estados Unidos no dia 21 de fevereiro de 1983 e permaneceu lá por 37 semanas,outro recorde. Ainda foi o primeiro a se estender por mais de um ano entre os mais vendidos do país. O disco conta com contribuições do cantor Paul McCartney, do guitarrista Eddie Van Halen, e do ator norte-americano Vincent Price (1911-1993). Em Thriller, Michael assina a composição de quatro músicas e ainda divide créditos com Rod Temperton pela autoria da faixa-título. Em "Wanna Be Startin' Somethin'" o astro fala sobre a indústria das fofocas; em "Beat It" faz um apelo contra a violência urbana; e na polêmica "Billie Jean" relata a história de um homem acusado falsamente de ser o pai de uma criança - uma história real vivida por Jackson em 1981, quando uma fanática passou a persegui-lo clamando que ele assumisse a paternidade do filho dela. Além de um sucesso de vendas, Thriller foi também um marco na luta contra a discriminação racial na indústria da música. Em março de 1983, o videoclipe de "Billie Jean" estreou na MTV fazendo de Jackson o primeiro negro cuja música ganhou espaço na emissora. Em abril, a WAAF 97.7 FM, de Boston, tornou-se a primeira rádio de rock da história a executar a música de um negro, colocando "Beat It" na grade de programação. Na época, o formato era direcionado a um público essencialmente branco. O feito foi seguido por emissoras similares e "Beat It" alcançou a 14ª posição na lista da Billboard que monitora as músicas mais executadas pelas rádios de rock dos Estados Unidos, algo inédito e que não seria repetido por nenhum outro cantor negro no futuro. O álbum ainda é lembrado pelos videoclipes, considerados "inovadores" para a época. Ao substituir a técnica da colagem de imagens por enredos nos vídeos de "Billie Jean" e "Beat It", o astro acabou criando de um novo conceito de produção. Com a curta-metragem gravada para acompanhar a canção "Thriller", Michael e o diretor John Landis estabeleceram ainda novos horizontes para a concepção dos clipes, que passaram a ser vistos como pequenos filmes. O vídeo tem 14 minutos de duração e foi gravado em película ao custo de 600 mil dólares, elevado para os padrões da época. No Brasil, Thriller é o álbum internacional mais vendido de todos os tempos. Até 2001, tinha interessado a 1.2 milhões de brasileiros. "Billie Jean" foi a segunda canção mais executada nas rádios do país em 1983, atrás somente de "Menina Veneno", do cantor Ritchie. Junto com "Billie Jean", "Beat It", "The Girl Is Mine" e "Thriller" foram os maiores sucessos do álbum no Brasil. Em 1984, quando o disco entrou para o livro Guinness dos Recordes, a Epic publicou na imprensa nacional uma peça de marketing com o anúncio: "Tenha esse LP ou jogue seu toca-discos fora!". Thriller 25 é uma edição comemorativa de 25 anos do álbum Thriller do cantor Michael Jackson, que vendeu em todo mundo cerca de 104,5 milhões de cópias, tornando-se o álbum mais vendido de todos os tempos. A Edição foi lançada aos 12 de fevereiro de 2008, sob o selo da Epic. A tracklisting seguiu a mesma do álbum original e trouxe uma nova capa holográfica, além de Remixes com participações de Fergie, Akon, Will.I.Am e Kanye West. Adicionalmente, a gravadora aposta em Edições Limitadas que, além do conteúdo do novo CD, também traz um DVD reunindo os vídeos musicais da época (restaurados digitalmente) e a histórica performance de Michael Jackson no especial de TV Motown 25: Yester(continued) Thriller é um álbum lançado por Michael Jackson pela Epic em 1982 que figura no livro Guinness do... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-06-28T12_54_33-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-06-28T12_54_33-07_00 Sun, 28 Jun 2009 19:54:33 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-06-28T12_54_33-07_00 Vagner Fabbri podcast,webradio,creedence,flashback,revival,rock,pop,music,listen,1001,1970,cosmo's 3600 false Um dos grupos mais respeitados dos anos 60, o Creedence Clearwater Revival teve apenas duas formações: com e sem John C. Fogerty. Sua importância como compositor, guitarrista, arranjador e cantor era tão grande que a banda praticamente desmoronou com sua saída, caindo de produção e passando a viver de shows, apresentando canções da fase em que John Fogerty conduzia as rédeas do grupo que trouxe o bluegrass para o rock. "Cosmos Factory" é um dos mais brilhantes filhos de uma prole gerada por John, seu irmão Tom (guitarra), Doug Clifford (baixo) e Stu Cook (bateria), seqüência de outros três discos fantásticos, "Bayou Country", "Green River" e "Willy And The Poor Boys", além de ser uma prévia do bem sucedido álbum "Pendulum", o último disco do quarteto. "Cosmos Factory" traz regravações de clássicos como "Ooby Dooby" (gravado anteriormente por Roy Orbison), "Before You Accuse Me", "My Baby Left Me" e a mais que antológica "I Heard It Through The Grapevine", um dos maiores sucessos de Marvin Gaye, que se tornaria presença obrigatória em qualquer coletânea sobre o grupo. A idéia de se gravar músicas de outros intérpretes nunca soou estranha para o Creedence, sendo que muitos hits retomaram a parada de sucessos graças aos arranjos renovadores e, digamos, revitalizadores de John Fogerty. Esse caminho foi trilhado por clássicos como "I Put A Spell On You", "Suzie Q" e "Good Golly Miss Molly". O álbum se completava com as composições originais de John: "Ramble Tamble", "Travellin' Band", "Lookin' Out My Back Door", "Run Through The Jungle", "Up Around The Bend", "Long As I Can See The Light" e a música que se tornaria uma das assinaturas do CCR, "Who'll Stop The Rain". Ao contrário de outras bandas contemporâneas, o Creedence não era formado por músicos extremamente talentosos e respeitados dos grandes centros, como New York, Los Angeles ou San Francisco. Eles vieram de San Jose, embebidos nas suas raízes originadas no bluegrass e eram, tecnicamente falando, bem limitados. Se Doug e Stu seguravam a barra apenas decentemente, não se podia esperar mais que isso deles, da mesma maneira que a guitarra de Tom era tímida e contida. A força do Creedence estava centrada nas idéias, vocais, solos e arranjos de John e, acima de tudo isso, no conceito de grupo. O Creedence foi uma daquelas bandas em que a química do conjunto rendia muito mais que a contribuição individual de seus membros. "Cosmo's Factory" foi produzido por John Fogerty e gravado sem muitos canais ou efeitos, com os instrumentos clássicos do rock, sem vocais elaborados, sem participações especiais, mas com uma sinceridade que atraía público e crítica. É um disco que não envelhece e digno de estar em qualquer coletânea dos maiores momentos do rock, como poderiam estar quase todos os trabalhos do Creedence Clearwater Revival. A habilidade do Creedance em fazer trabalhos consistentes se deve, principalmente, ao fato de ensaiarem cinco vezes por semana em um depósito na zona industrial de Berkley. Isso faz com que sua música se torne precisa e seja tocada com perfeição. A ênfase deste disco não é em modernização, mas reproduções autênticas como a de Roy Orbinson em "Ooby Dooby" e, "My Baby Left Me" mostra um estudo profundo na maneira de tocar, tendo um contexto rockabilly. "Travelin' Band" é um atestado de autenticidade mesmo com Forget acrescentando novos líricos na melodia de uma versão modificada de "Reddy Teddy". Ele o faz com um vocal e arranjo que lembram muito Little Richard. Além da adição da guitarra e do vocal de Bo Diddley em "Before You Accuse Me", há ainda uma contribuição de piano blues em um arranjo tradicional. "Who'll Stop The Rain" vem em forma de balada e "Long As I Can See The Light" é uma boa composição, com acompanhamento de saxofone e uma abordagem ao estilo de Otis Redding. "Cosmos Factory" demonstra todo o talento da banda e foi um dos últimos álbuns antes do grupo se separar. Em setembro de 1959, John Fogerty (vocalista e guitarr(continued) Um dos grupos mais respeitados dos anos 60, o Creedence Clearwater Revival teve apenas duas forma... https://1001discos.podomatic.com/entry/2009-06-19T15_39_35-07_00 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-06-19T15_39_35-07_00 Fri, 19 Jun 2009 22:39:35 +0000 2013-12-05 2013-12-05 https://www.podomatic.com/podcasts/1001discos/episodes/2009-06-19T15_39_35-07_00 Vagner Fabbri pop,rock,smiths,flashback,1986,podcast,webradio,documentário,best,music,brazil 4139 false The Queen is Dead, lançado em junho de 1986, é considerado pela maioria dos fãs dos Smiths como o melhor álbum da (curta) carreira deste grupo, e que consolidou de maneira inquestionável o sucesso da parceria entre Steven Patrick Morrissey e Johnny Marr, apesar do contexto de situações adversas que mais tarde contribuiriam para seu fim. Marr estava tendo problemas por beber demais, havia desentendimentos entre a produtora Rough Trade e o grupo (o que fez com que o lançamento do álbum fosse adiado por quase oito meses), Andy Rourke havia sido dispensado por problemas com heroína (substituído temporariamente por Craig Gannon) e Morrissey vinha sendo interpretado por seus críticos como cada vez mais "egocêntrico e mal-humorado", provavelmente por sua conhecida aversão a videoclipes e entrevistas. A capa do disco é uma foto de 1964 de Alan Delon em tom monocromático (uma característica que se pode conferir em outros trabalhos do grupo), na qual o ator francês parece estar morto. De algum modo, ela combina com o tom depressivo e ao mesmo tempo dançante das músicas, cujas letras não só abordam tristeza, solidão e dificuldades sobre a vida como também ironias e críticas à sociedade britânica e à igreja, brilhantemente interpretadas pela voz incomparável de Morrissey e arranjos criativos e muito bem elaborados de Marr, acompanhados pelas atuações precisas de Andy Rourke (baixo) e Mike Joyce (bateria). Em The Queen is Dead, Morrissey critica ferozmente a família real britânica, insinuando sua omissão e distanciamento quanto aos problemas que a sociedade vivenciava e traduzindo a solidão de uma juventude sem perspectivas através da frase "Life is very long, when you’re lonely". Sobre Frankly, Mr. Shrankly, que possui uma sonoridade mais pop e descomprometida, comenta-se que sua letra foi inspirada nas divergências entre os Smiths e a Rough Trade. Há alguma referência também sobre o mal-estar causado por não fazer o que se realmente gosta. I Know It’s Over tem como tema o suposto fim de uma relação, numa abordagem triste, porém incrivelmente bela. As conseqüências de uma frustração parecem realmente ir de encontro ao que qualquer um de nós já deve ter visto – ou mesmo vivido – algum dia, e nos ensinam que "It’s so easy to laugh/It’s so easy to hate/(but) It takes strenght to be gentle and kind". FICHA "The Smiths - The Queen is Dead " Data de Lançamento: junho de 1986 10 faixas, 37 minutos, aproximadamente Faixa a Faixa: 01 The Queen is Dead - 6:24 02 Frankly, Mr. Shankly - 2:19 03 I Know It's Over - 5:49 04 Never Had No One Ever - 3:37 05 Cemetary Gates - 3:37 06 Bigmouth Strikes Again - 2:41 07 The Boy With The Thorn In His Side - 3:17 08 Vicar In A Tutu - 4:14 09 There Is A Light That Never Goes Out - 4:03 10 Some Girls Are Bigger Than Others - 3:14 Produzido por: Johnny Marr, Morrissey Engenheiro de Som: Stephen Street Gravadora: Sire Records "Encarte do CD" Never Had No One Ever segue o ritmo mais lento da faixa anterior e fala essencialmente sobre a solidão, porém sobre sua letra repousa um mistério: "I had a really bad dream/It lasted 20 years, 7 months and 27 days". O que teria acontecido com Morrissey? Com o que será que ele teria sonhado? Cemetery Gates é tida como a resposta de Morrissey aos críticos que o acusavam de plagiar textos de autores como Shelagh Delaney e Elisabeth Smart. Oscar Wilde, outro de seus autores preferidos (que eventualmente também era acusado de plágio), estava "ao lado" de Morrissey, razão pela qual este último declarou-se "vencedor" do confronto representado na música entre ele e aqueles que o criticavam. Em Bigmouth Strikes Again, Morrissey insinua que o fato de ele dizer o que pensa é algo tão condenável a ponto de ele não ter mais direito a fazer parte da raça humana – o que logicamente é uma auto-crítica totalmente cínica o sobre o teor de suas letras. Nessa faixa, que segue um ritmo mais acelerado assim como The Queen is De(continued) The Queen is Dead, lançado em junho de 1986, é considerado pela maioria dos fãs dos Smiths como o...